Out of Town
東京城外：奈良、大阪、京都的展覽・2026–27秋天到春天，在奈良、大阪、京都，和更遠的美術館裡
由編者挑選，每一檔皆對照場館官網查證，不接受付費刊登。 關於這份選集
1 / 6 圖片: 奈良國立博物館 北倉43 漆胡瓶
正倉院的一面伎樂面具，扮的是喝醉的胡國國王。
一面桐木做的面具，高 39.2 公分。眼睛很大，鼻子很高，頭上戴著高高的冠帽，張開的嘴裡露出一排牙齒。它叫〈伎樂面 醉胡王〉，收在正倉院的南倉；上一次在正倉院展展出，是 1964 年。
伎樂是從朝鮮半島的百濟傳來的面具劇，飛鳥到奈良時代，在寺院裡演得很盛。醉胡王扮的是喝醉了酒的胡國之王。胡國，指的是以波斯為代表的西亞、中亞各國；奈良國立博物館說，這齣戲是國王帶著隨從開宴會。大眼高鼻的面相和高高的冠帽，是照著當時人想像中的西方風俗做的。面具用比較輕的桐木雕成，整體以貝殼磨成的胡粉塗白，再上彩。
同一場還有兩面醉胡從，也就是國王的隨從。一面也是桐木，表情有些滑稽，這次第一次展出；另一面用乾漆做成，鬍子植了馬毛，作者是相李魚成，面具上的墨書寫著天平勝寶四年（752），東大寺大佛開眼會的日期。伎樂後來失傳了，戲怎麼演，今天只能從零星的記載去推想，留下來的是這些面具。
今年是第七十八屆正倉院展，也是正倉院展開辦的第八十年。展出寶物 60 件，其中 11 件第一次展出，有聖武天皇身邊的象牙棋子、照著波斯水壺的樣子用漆做成的〈漆胡瓶〉，也有一隻被叫作「虹龍」的貂的木乃伊。醉胡王的嘴唇是紅的。
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1 / 5 圖片: 大阪中之島美術館 主視覺（展名・會期）
大英博物館的江戶繪畫，和北齋為一本沒有出版的書畫的底稿。
一頭大象佔滿了整張紙。背上披著有花紋的布，腳邊一個很小的人，拉著一條繩子。右上角寫著「天竺 印度」，左上角寫著「大象ヲ養」。這是葛飾北齋為《萬物繪本大全》畫的版下繪，約作於 1820 到 1849 年間。
版下繪是做版畫用的原稿。原稿通常貼在木板上，由刻師照著線條刻版，刻完，原稿也就跟著木頭一起削去了。這本書最後沒有出版，北齋畫的 103 張版下繪因此留了下來。它們很長一段時間下落不明，2020 年，大英博物館一次買下了全部 103 張。這次展出其中 8 張，都是第一次從英國回到日本。
大英博物館的日本美術收藏約有四萬件。這檔巡迴展以江戶時代的屏風、掛軸和繪卷為主，加上從鈴木春信到歌川國芳，八位浮世繪師的版畫一百多件。喜多川歌麿的親筆畫〈讀信的遊女〉（1804–1806 年左右）2011 年才被發現，歌麿現存的親筆畫據說只有五十件左右，這是其中最大幅的之一，也是第一次回到日本。
展覽七月到十月先在上野的東京都美術館展出，大阪中之島美術館是第二站。大阪會場特別標出一件和大阪有關的作品：吉村周山的〈大坂圖屏風〉（1725–1776 年），金色的雲之間是深藍的河道，河上架著一座一座的橋。
- 展期中換展
1 / 6 圖片: 名古屋市美術館 フィンセント・ファン・ゴッホ《跳ね橋》1888年 油彩、カンヴァス ヴァルラフ＝リヒャルツ美術館・コルブー財団蔵
從馬奈的一束蘆筍到梵谷的吊橋，科隆一座美術館的印象派收藏。
1880 年，愛德華・馬奈畫了一束白蘆筍。兩條草繩綁著，紫色的尖端，躺在綠葉上。那時他已經生病，晚年多半在畫這樣小幅的靜物。
這幅〈一束蘆筍〉標價 800 法郎，一位收藏家付了 1,000 法郎買下。馬奈之後又畫了一幅只有一根蘆筍的小畫寄給他，附上一句話：這一束裡，少了一根。那幅單獨的蘆筍，今天收藏在巴黎的奧塞美術館。
名古屋市美術館把這一束蘆筍放在展覽的第一章。十九世紀後半，馬奈、庫爾貝、柯洛這些畫家，開始把目光轉向身邊人們的生活，走進森林，畫自己親眼看見的自然。展覽從他們開始，經過巴比松派、印象派、後印象派和點描派，一直到馬諦斯、波納爾這些二十世紀的色彩畫家。42 位畫家的 70 件作品，都來自德國科隆的瓦爾拉夫－里夏茨美術館・科爾布基金會。
展覽的主角，是梵谷 1888 年在法國南部亞爾畫的〈吊橋〉。科隆的美術館預定大規模整修休館，這幅畫才借得出來。展覽裡也有梵谷早三年在荷蘭紐南畫的〈紐南的農家〉。藍色的運河上架著木造的吊橋，一個撐著黑傘的人正走過去，這是它第一次在名古屋展出。
1 / 6 圖片: 大阪市立美術館 主視覺（展名・會期）
台北何創時基金會的明代書法，和明代的書法家怎麼臨摹王羲之。
王羲之是四世紀東晉的書法家，後世稱他「書聖」。他的真跡沒有留下來，後人學他，靠的是一代一代的摹本和刻帖。在中國學書法，臨摹王羲之，幾乎是每個人都走過的路。
董其昌的〈草書論書與臨王羲之十七帖〉，寫於萬曆三十五年（1607）。《十七帖》是王羲之草書書信的合集。在同一件作品裡，董其昌一邊臨《十七帖》，一邊寫下自己對書法的看法；館方形容它是「獨自的書論和王羲之的臨書並存」，流麗而秀逸。
王鐸的〈臨王羲之意適帖〉是十七世紀的作品，名為臨摹，寫的卻不照原本。館方說它是不受原本拘束、自在的「連綿草」，也就是用草書一口氣把好幾個字連著寫下去。明代流行這樣的寫法，書法變得像抒發情感一樣，各人有各人的筆性。這次展出的王鐸有八件。
大阪市立美術館的這檔展覽，82 件作品全部借自台北的何創時書法藝術基金會，其中 72 件是第一次在日本公開，分成明代中後期城市繁榮的時代，和明末清初的動亂時代兩章。江戶時代的日本，也曾以文徵明、董其昌的字為本，流行「唐樣」的書風。展覽的主視覺是傅山的〈草書醉後浪書〉，筆畫打著圈，纏在一起，字和字的邊界，幾乎看不出來。
1 / 5 圖片: 福岡市美術館
印度更紗傳到歐洲、東南亞和日本，在各地留下的樣子。
在日本，一小塊印度的花布，可以縫成包茶具的袋子（仕覆），也可以做成包袱巾、菸草袋、掛軸的裱裝，或榻榻米的邊。更小的碎布，就貼進樣本冊裡收好。收藏家卡倫・塔卡（Karun Thakar）寫道，印度更紗在日本被好幾代人喜愛、珍惜，最早的記錄可以追溯到 1600 年代初。
印度更紗，是用茜草、藍這些染料，加上媒染劑和防染劑，在棉布上染出花紋的技術，一般認為數千年前就在印度出現了。日本叫它「更紗」，英語叫它 chintz。幾百年的貿易裡，它成了世界性的商品；為了不同地方的買家，印度的工匠也做出各地喜歡的精緻花樣。
塔卡 1960 年生，在德里一邊幫忙母親經營的裁縫店一邊長大，1974 年隨家人移居英國，1982 年開始收集亞洲和非洲的民藝和染織品。他的收藏涵蓋日本、印尼、斯里蘭卡、泰國和歐洲十四到十九世紀的染織，日本的部分，他大約三十年前開始收集。2021 年，他和倫敦的維多利亞與艾伯特博物館一起，成立了資助亞非染織與服飾研究的基金。
福岡市美術館的這檔巡迴展，是他的收藏第一次在日本介紹，看印度更紗傳到歐洲、東南亞和日本之後，各地怎麼共享同一種美感，又各自做出新的東西。展品有十七到十八世紀的儀式用布、十八世紀的一整套床具，還有一幅 1740 到 1750 年左右的掛布「帕蘭波」（palampore），白底上，長著一棵開花的樹。
1 / 6 圖片: 廣島市現代美術館
布拉提斯拉瓦國際插畫雙年展的得獎作品，和代表日本參加的十組繪本作家。
每兩年，斯洛伐克的首都布拉提斯拉瓦會辦一次繪本原畫的比賽，叫布拉提斯拉瓦國際插畫雙年展（BIB），是世界上規模最大的繪本原畫比賽。第一屆在 1967 年，當時那裡還是捷克斯洛伐克。2025 年這一屆是第三十屆。
這一屆有 42 個國家、291 位畫家的 383 本繪本參加。比的不是一本書，而是書裡的原畫：畫家為一頁一頁的故事畫下的那些紙。
廣島市現代美術館的這檔展覽，是這一屆的日本巡迴展，展出大獎等得獎作品，加上代表日本參加的 10 組作家的繪本和原畫，以及相關資料。日本的出品，有岡田千晶的《あかいてぶくろ》（紅手套，2021）、降矢なな的《せっかちなハチドリ》（性急的蜂鳥，2023），和ザ・キャビンカンパニー（The Cabin Company）的《ゆうやけにとけていく》（融化在晚霞裡，2023，ちひろ美術館藏）。來自其他國家的，有《禿鷲的女兒》（2024）、《石頭裡的動物》（2024），和一本《格列佛遊記》（2023）。
展期中，美術館請廣島的孩子們當評審，自己選出一件作品，頒「廣島兒童評審獎」。大人的評審在布拉提斯拉瓦選過一次，這裡的孩子再選一次。
1 / 4 圖片: 十和田市現代美術館
史蒂夫・畢夏普的三部影片，看人離開之後的建築和城鎮。
十和田在近代設了軍馬補充部，養馬興盛，成了「馬的城市」。2001 年中央省廳改組，機關遷走，留下許多空地；人口減少，沒有人住的建築一年年變多。林業衰退之後，山林沒人照管，熊和鹿多了起來，連特別天然紀念物日本長鬃山羊，都出現在市街上。十和田市現代美術館寫道，美術館本身，就是為了因應這樣的空洞化而誕生的。
在這裡，美術館辦了史蒂夫・畢夏普（Steve Bishop）的個展，以三部和建築有關的影片為中心。〈看守人〉（The Caretaker，2018）拍的是加拿大北部的一座小鎮：附近的礦場關閉之後，居民全都離開了，鎮子卻一直有人維護著。〈與此同時……〉（Meanwhile...，2008）把 1990 年代一部美國情境喜劇裡穿插的郊區住宅街景，重新剪接組合。
第三部〈從人們手中奪走〉（Stolen From The People，2026）在這裡世界首映。拍的是英格蘭南部一座從前的村子，二次大戰時，軍方讓全村的居民都遷了出去。
畢夏普 1983 年生於加拿大多倫多，住在倫敦，2008 年畢業於倫敦皇家藝術學院雕塑系。這是他第一次在亞洲的美術館辦個展。館方說，影像和聲音會組成一個讓人置身其中的空間；展覽想問的，是人的活動意味著什麼，人和自己居住的地方，又是什麼關係。
1 / 4 圖片: ポーラ美術館 X 展示風景：「あたらしい目—モネと21世紀のアート」ポーラ美術館、2026年、撮影：中川周
莫內畫冬天解凍的塞納河時，最愛的妻子卡蜜兒剛逝世不久。
箱根的 POLA 美術館收藏了 19 件莫內的油畫，從 1872 年筆觸寫實的作品，到 1908 年光、色彩和景物融在一起的作品，是亞洲最大的莫內收藏。為了紀念莫內逝世一百年和美術館開館 25 年，這次 19 件全部展出，旁邊放上國內外 18 組當代藝術家的作品，不做美術史式的比較，而是讓它們對話。
〈塞納河的日落，冬〉（1880 年）畫的是嚴冬的韋特伊（Vétheuil），結冰的塞納河正在解凍，夕陽淡淡地照在河上。和它放在一起的，是 Félix González-Torres 的作品。他用糖果和燈泡，表現所愛的人的生命和身體：一堆糖果的總重，等於逝世的戀人或家人的體重，觀眾可以拿走一顆。
這次，他藍色的糖果被當作河上的浮冰，用燈泡做的作品被當作落日。兩個人用完全不同的方法，看著所愛的人不在了這件事。
展名「嶄新的眼睛」，來自和莫內同時代的塞尚對莫內那雙眼睛的驚嘆，也指今天的藝術家們看世界的眼光。
1 / 2 圖片: 京都市京瓷美術館
拉斐爾・薩卡從滑板看見的幾何：台階、斜坡和曲面。
拉斐爾・薩卡（Raphaël Zarka）有一系列作品叫〈Riding Modern Art〉，用的是從滑板雜誌裡找來的黑白照片：滑板手在公共空間裡的現代雕塑上做動作。那些雕塑原本是讓人站在前面看的，在滑板手眼裡，它們是一片可以滑的地形。
對薩卡來說，滑板是從個人的喜好開始的。踩著滑板穿過城市和建築，他注意到台階、斜坡、曲面和結構裡的幾何形狀，用意想不到的方式，重新讀出原本的空間。他寫過三篇談滑板的形態與空間的論著，也在那些從藝術史的邊緣，流向科學和技術的幾何形狀裡找題目。他的工作方式像研究者或考古學家，他自己稱之為「紀錄的雕塑」。
薩卡 1977 年生於法國，畢業於巴黎國立高等美術學院和英國的溫徹斯特藝術學院，以巴黎為據點。他正在做一份以實作為基礎的博士研究，題目是十七世紀歐洲獨立式日晷的演變。
2026 年四到七月，他住在京都的九條山別墅（Villa Kujoyama）做研究和創作。京都市京瓷美術館的這檔展覽，是他在日本第一次正式的個展，有雕塑、攝影、影像、素描與文字，有過去的代表作，也有在京都停留時做的新作品，從找到一個形狀開始，經過研究和思考，到作品完成。館方也提了一個問題：公共空間是誰的，又被怎麼使用。
如果你看過一檔很好、這裡還沒寫到的展，歡迎寫信告訴我：hello@anthology-art.org
關於這份選集：由編者 Yu 挑選東京以外值得專程去看的展覽，隨展覽開幕、閉幕持續更新。每一檔展覽皆已對照場館官網或官方公告查證（截至 2026年10月23日），我們不接受付費刊登。展期與票價如有異動，請以場館公告為準。
每一項展覽名稱與場館名稱下方，以灰字附上日文原文，供您對照。
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