台北冬季大展・2026–27年底到春節，在台北的美術館裡

故宮用對稱、對比、反覆這些原則，教人看一幅中國畫。

展出的〈溪山秋色〉上，有宋徽宗的花押和「御書」印記。可是大部分的景物都安排在畫面左下，和北宋山水把大山放在正中的習慣不同，所以一般認為是南宋的作品。掛在張擇端名下的〈清明易簡圖〉，是明代後期仿〈清明上河圖〉的畫，連元代的題跋也是偽造的；米芾的〈雲山煙樹〉、夏圭的〈長江萬里〉，也被判斷為明人的仿作。

這些考證，都寫在故宮自己的作品說明裡。展覽要談的是另一件事：「美感原則」，也就是對稱、對比、反覆，以及畫家怎麼安排點、線、面、色彩、造形與空間。館方說，這些原則能幫人越過語言、文化和資料的隔閡，自己去看。畫是誰畫的，考證可能一再改寫；墨點怎麼一層層堆疊、留白怎麼讓雲霧流動，一直都在畫面上。

有些說明停在一個問題上。范安仁名下的〈魚藻圖〉全用沒骨畫法，不勾輪廓，魚群在水藻之間穿梭，水看起來很透。到了卷末，魚卻聚成一團，互相追逐，氣氛忽然急促起來。館方寫道，其中是否別有新意，仍待觀眾思考。

展出從宋代到民國的十七件畫作，有長十一公尺多的〈長江萬里〉、清代丁觀鵬摹顧愷之的〈洛神圖〉，最後一件是張大千的〈闊浦遙山〉。

知識卡卷、軸、冊頁

閉館整修之前，台北當代藝術館的最後一檔展覽，看的是美術館自己。

這棟紅磚建築，前身是日治時期的建成尋常小學校，戰後成了臺北市政府的廳舍，2001 年起是台北當代藝術館。今年館方滿二十五年，2027 年起要閉館整修三年。

策展人林映穎與劉怡均都在館裡的展覽組工作。她們把視線從展品移到美術館本身：館員的勞動、建築的邊角、機電運轉的聲音。張欣語錄下館裡的馬達聲和電流聲，收進六個玻璃罐，罐上標著心臟、肺、皮膚、支氣管和神經；打開罐子，聲音才放出來，蓋上，又收回去。王詠翔的錄像裡，有人在一面乾淨的白牆上安靜地補洞，那是每一檔展覽結束之後都會有的工作。

林盈潔的〈皮克托先生〉，用的是逃生出口標誌上那個奔跑的綠色小人。這個圖案來自 1970 年代的日本。在走廊和電梯之間，他慢慢地移動，有時像館員，有時像觀眾。李奧森為美術館警衛拍了四頻道錄像，在館裡的警衛室定時放映。

十四組參展藝術家裡，有日本團體 SIDE CORE。他們的〈KAIROS〉用縮時攝影，記錄了橫濱美術館閉館整修的三年：建築、城市和人，還有塗鴉、滑板與種植。

知識卡制度批判

藤本壯介近三十年的建築，從北海道的森林到大阪萬博的大屋頂。

藤本壯介 1971 年生於北海道，在茂密的森林旁長大。他在《建築誕生的時候》一書裡問：人能不能做出像自然一樣複雜而多樣的東西，而不只是模仿自然？

他的建築，常常讓人分不清哪裡是裡、哪裡是外。2013 年倫敦蛇形藝廊的夏季展館，是用細細的白色鋼管組成的一片格子，遠看像一朵雲，人可以坐在上面，也可以從中間穿過去。在法國蒙彼利埃的集合住宅「白樹」，每一戶的陽台都向外伸出，像樹枝一樣。他 2000 年成立事務所，沒有拜在任何建築師門下，最早是以青森縣立美術館的競圖提案受到注意。

2025 年的大阪・關西萬博，他擔任會場設計總監，做了一圈木造的「大屋頂環」，周長大約兩公里，被認定為世界最大的木造建築。萬博期間，東京森美術館為他辦了第一次大型個展，接著開始國際巡迴。

台北是巡迴的第一站，展覽的架構與設計都由藤本本人規劃。忠泰美術館展出歷年的建築模型、手稿設計圖和多年累積的手繪筆記；另一個展區在附近的建國啤酒廠成品倉庫，放著一座 1：5 的大型模型，人可以走進去。

知識卡建築模型

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李梅樹、楊三郎、李石樵，在畫布以外為臺灣美術做的事。

1934 年，李梅樹、楊三郎、李石樵和陳澄波、廖繼春、顏水龍等畫家，一起成立了臺陽美術協會。每年的臺陽展，是畫家們自己辦的民間展覽，和官辦的臺展並行。這個畫會到今天已經九十二年，一直沒有停下來。

1945 年政權更替之後，三個人把很多力氣放到畫布之外。李梅樹從 1947 年起主持家鄉三峽祖師廟的重建，親自設計殿內的牆面、石柱與地坪，請各方畫家提供圖稿刻上石壁，楹聯請名家書寫，又用銅製浮雕取代傳統的彩繪壁畫。他守著這項工程三十六年，一直到去世。

楊三郎在 1946 年和臺陽的成員一起籌辦省展。二二八事件之後的肅殺氣氛裡，臺陽展在 1948 年恢復，他透過公開徵件、評審和獎勵帶起後進，守護畫會六十多年。同一年，李石樵開了不收學費的畫室，用嚴格的素描教學教出許多學生；他自己也從追求官展的榮譽，慢慢轉向藝術本質與西洋現代思潮。

新北市美術館展出三人的畫作，也展出手稿、文獻、歷史照片和影音紀錄，策展人是白雪蘭。李梅樹文教基金會、楊三郎美術館與李石樵美術館一起協辦。

知識卡臺展

從鄧南光的外拍到 AI 生成的影像，臺灣的時尚攝影。

張愛玲在〈更衣記〉裡寫：「我們各人住在各人的衣服裏。」這篇文章 1943 年在上海發表，她先用英文寫給外國讀者，後來才改寫成中文。國家攝影文化中心把這句話放在展覽的開頭。

展覽分在兩層樓。三樓〈身上的語言〉從身體與觀看出發；二樓〈身上的風景〉延伸到日常生活、社會文化和數位科技。三十五位藝術家裡有十位女性，作品從早期的寫真、家庭照片與商業攝影，一直到當代藝術和人工智慧。

早年的攝影學會常到戶外拍人像，攝影者在自然光裡，學著看身體和姿態。鄧南光（1907–1971）把女性放進安排好的出遊場景，照片介於紀實與擺拍之間。館方認為，這些照片也透露了當時的社會，允許女性以什麼樣子被看見。莊靈、張良一與林后駿，則從家庭出發，世代之間的親密，成了風格的起點。

另一個展間，談女性的身體怎麼回應鏡頭。郭英聲的塗鴉與女性身體系列，曾是設計師陳季敏的服裝靈感，他也擔任過她的品牌 JAMEI CHEN 的創意總監。這次也展出陳季敏的絲巾與訂製服，照片裡的圖案，成了可以穿在身上的衣服。

知識卡攝影

坂本龍一晚年的裝置作品，讓聲音在空間裡被看見。

2012 年，坂本龍一在宮城縣遇見一台鋼琴。它屬於宮城縣農業高校，在前一年的東日本大震災中被海嘯淹過。他把它看作「被自然調過音的鋼琴」。鋼琴原本是人把聲音整理好的樂器，泡過海水之後，它回到了一件「物」。

這樣的想法，貫穿他 2000 年代以後的裝置。他和高谷史郎從 2007 年的〈LIFE——流動、無形、無聲……〉開始，一再用到水和霧。2013 年的〈水的樣態1〉，展間中央是一個黑色水盤，水面清澈得像一面鏡子，周圍放著大石；天花板上的裝置依照氣象衛星記錄的降雨資料，讓雨滴落進水盤，聲音和燈光隨著時間慢慢改變。

2017 年的專輯《async》，是他接受咽喉癌治療之後的作品，async 是「不同步」的意思。後來他和合作者用這張專輯做了好幾件裝置，把音樂立體地設置在空間裡。阿比查邦・韋拉斯塔古（Apichatpong Weerasethakul）把小型攝影機交給親近的人，請他們拍下各自的日常，再配上其中兩首曲子，成為〈async——初光〉。

北美館展出七組大型裝置，以及 1999 年歌劇《LIFE》的文獻，合作者還有真鍋大度、卡斯滕・尼古拉（Carsten Nicolai）與 Zakkubalan，策展人是難波祐子。2024 年在東京都現代美術館展出時，日文標題是「音を視る 時を聴く」：看聲音，聽時間。

知識卡錄像藝術聲音藝術裝置藝術

美國托雷多美術館的收藏，從印象派到現代藝術。

托雷多美術館在美國俄亥俄州，1901 年由玻璃業者愛德華・德拉蒙德・利比（Edward Drummond Libbey）等人創立。這是富邦美術館和托雷多美術館合作的第二檔展覽，接在「林布蘭到哥雅」之後，主辦單位公布的藝術家有莫內、梵谷、畢卡索與馬諦斯。

預定展出的梵谷〈奧維爾的麥田與收割者〉，畫於 1890 年。那時梵谷住在巴黎北邊的奧維爾，那是他生命的最後兩個月。畫裡有一個人正在割麥，麥束一路排向村子和遠方藍色的山丘。1935 年，托雷多美術館用利比留下的基金買下了這幅畫。

馬諦斯的〈休憩的舞者〉畫於 1940 年，模特兒是他那幾年最常畫的莉迪亞・德列克托斯卡婭（Lydia Delectorskaya）。托雷多美術館的說明寫道，這幅畫完成後不久，馬諦斯放下了油畫，轉向用色紙剪貼創作。

知識卡印象派

詳細待公布（依 2026年6月5日 官方公布）